Woher stammt der Name "Empusae"?

Der Name geht auf mein Fetischtier unter den Insekten zurück: eine Gottesanbeterin namens Empusa Pennata, auch bekannt als Kegelkopfschrecke oder Diablotin auf Französisch, die im Mittelmeerraum heimisch ist. Sie ist äußerst elegant und wirkt zugleich wie ein kleiner, fremdartiger Dämon. Genau darum geht es in meiner Musik: die Schönheit in der Dunkelheit zu finden, Melancholie im Vergessen, Freude im Schmerz, Struktur im Chaos, Poesie im Horror und Atmosphäre in kalter Gelassenheit.

Die Empusae waren auch Töchter der griechischen Göttin Hekate – eine Art vampirische, verführerische Dämoninnen, die ihre Opfer durch unwiderstehliche Schönheit und Sinnlichkeit anlocken, nur damit diese als grausam entstellte Körper und Seelen enden.

Welchen Stellenwert nahmen Musik und insbesondere die Kunst der Komposition für Sie ein?

Das Erschaffen von Klängen und das Komponieren von Musik war der einzige erfüllende und fruchtbare Weg, mich tief und wahrhaftig auszudrücken. Es wirkt nicht nur künstlerisch, sondern auch therapeutisch. Es lässt mich reisen, weg von der Realität, von meinen äußeren und inneren Dämonen. Ich trete in einen einzigartigen Geisteszustand ein, in dem alles und jeder Gedanke in mir und um mich herum verblasst und eine Symbiose zwischen mir und meiner Muse oder meinen Musen entsteht.

Diese Musen können sowohl meinen Leidenschaften als auch den Dämonen meiner persönlichen Hölle entspringen. Sie ermöglichen mir, Leidenschaften, Ideen und Elementen meines Lebens, die mich emotional bewegen, eine Form zu geben. Es hilft mir aber auch, mich meinen Dämonen wie sozialen Ängsten zu stellen oder sie sogar anzunehmen. Vor einigen Jahren begegnete ich einem neuen Dämon (namens Shabriri). Mit anderen Worten: Bei mir wurde eine unheilbare genetische Augenkrankheit namens Retinitis Pigmentosa diagnostiziert. Sie macht Betroffene blind, manchmal langsam, manchmal unvorhersehbar schnell. Empusae ist ein mächtiger Zauber, der mir hilft, dies zu akzeptieren und zu bewältigen; andernfalls wäre ich tief im Vergessen verloren gegangen. Daher ist Musik für mich eine noch lebensnotwendigere Essenz.

Was hat Sie an Minoár fasziniert und wie hat Sie dies dazu inspiriert, die Musik für dieses Projekt zu erschaffen?

Als ich zum ersten Mal Bilder von Minoárs Kollektionen in den sozialen Medien sah, verliebte ich mich sofort in den Stil. Er sprach mich an, als würde ich ein faszinierendes und irgendwie vertrautes Musikstück hören. Ich fühlte mich sofort davon angezogen. Nachdem ich meine ersten bestellten Stücke erhalten hatte, bestätigte es sich: Sie waren in vielerlei Hinsicht für mich gemacht.

Der allmähliche Verlust meines Augenlichts zieht mich zu einer Ästhetik hin, in der ich mich wohlfühle – nicht nur visuell, sondern vor allem durch die essenzielle Haptik der Stoffe und Texturen. Sie zu tragen gab mir Selbstvertrauen und verleiht mir ein Gefühl von Stärke in meiner Blase, umgeben von der herannahenden Dunkelheit. Diese Leere lässt meine Umgebung, etwa Menschen und Strukturen, wie Hindernisse erscheinen und entfremdet mich von der menschlichen Gesellschaft.

Das Tragen von Minoár unterstützt mich dabei, es hat eine therapeutische Wirkung – ebenso wie Musik. Daher ist es für mich naheliegend, all dies in Musik zu übertragen. In Minoárs Gewändern gekleidet, ließ ich mich von ihnen zu einer klanglichen, musikalischen und atmosphärischen Transkription führen. Minoár wurde zur Muse. Das Komponieren ist das Ritual. Es fühlte sich an, als würde ich direkt mit den Schöpfern auf der anderen Seite Europas kommunizieren – in einer komplexen, zugleich sehr natürlichen und fließenden Verbindung. Eine Symbiose aus klanglichen und greifbaren Texturen, Stoffen und Strukturen, ursprünglichen Naturelementen sowie einheimischen, fremden und fremdartigen Stammeseinflüssen. Für einige Momente hatte ich das Gefühl, dass wir eins wurden. Es war eine einzigartige Erfahrung, für immer in Geist und Seele verankert.

Sie komponieren Musik auf ganz eigene, authentische Weise. Wie sieht Ihr Prozess aus, was steht am Anfang?

Es ist ein Prozess mit vielen Stufen, der nie wirklich beginnt oder endet. Er ist lediglich fortlaufend, vor allem geistig. Jeder Klang, jede Melodie, jeder Song, jedes Album ist eine Fortsetzung dessen, was zuvor war. Inspirationen und Musen sind miteinander verwoben. Das Komponieren einer Melodie, das Erzeugen von Klängen, das Aufnehmen von Instrumenten, das Strukturieren von Rhythmen sind nur ein Teil des Prozesses. Nach der Fertigstellung eines Albums oder eines Projekts gibt es in meinem Studio meist eine Phase der Inaktivität. Das können Wochen, Monate und manchmal Jahre sein. Doch in diesen Phasen leisten die Inspirationen ihre Arbeit, meist sehr unbewusst.

Die Muse schlummert, dann taucht sie plötzlich und unerwartet auf und konkretisiert sich im Kontakt mit Klangquellen und Instrumenten. Manchmal habe ich das Gefühl, zu improvisieren, doch mir wird zunehmend klar, dass es der schlummernde kreative Prozess ist, der Früchte trägt. Das ist äußerst befriedigend. Es gibt mir jedes Mal aufs Neue die Zuversicht, dass es mir nie an Inspiration mangeln und ich den Komponisten in mir nicht verlieren werde.